O ANIMATÓGRAFO DO ROSSIO

LOGO DEBAIXO DO ARCO DO BANDEIRA, 

É COM CERTEZA

O CINEMA MAIS ANTIGO DE LISBOA.

INFELIZMENTE ESTÁ SENDO DESPRESTIGIADO, PASSANDO SÓ FILMES PORNÔS...

PARATODOS

UM NOVO FILME BRASILEIRO NO GLÁUBER ROCHA.
ADMIRÁVEL ATITUDE DO CLÁUDIO MARQUES 
AO DAR SEMPRE PREFERÊNCIA AS PRODUÇÕES NACIONAIS E LATINO-AMERICANAS.

ALDO LA CLASSE

DANÇA NA ESTAÇÃO

Ferrovia de 156 anos, da época do Império, vira palco para dança e vídeo em Salvador

Criada em 1860, a Ferrovia de Salvador, já desgastada e desconhecida da maior parte da população da capital baiana, vai virar palco para performances de dança e vídeo a partir da última semana de julho. Trata-se do projeto ‘Trilhos & Estações – uma viagem dançada da Calçada a Paripe’ que tem apoio da Fundação Gregório de Mattos através do edital 'Arte em Toda Parte – Ano III'.

“Foi a primeira ferrovia a ser construída na Bahia e a quinta do Brasil”, conta a diretora executiva do projeto, Ana Luiza Campos. A linha tinha como meta ir de Salvador até Juazeiro, às margens do Rio São Francisco, mas só foi construída até Alagoinhas. “Hoje existem somente dois trens que se alternam em intervalos de 40 minutos”, diz Ana. Criada pela Bahia and San Francisco Railway Company 156 anos atrás, a ferrovia ia até Alagoinhas e tinha 123 km, saindo da Estação da Calçada, na Península Itapagipana, Cidade Baixa.

10 MIL PESSOAS – Atualmente, o trajeto Calçada/Paripe funciona para o transporte de passageiros, possuindo 13,2 quilômetros. “O restante do trajeto funciona como transporte de cargas”, completa Ana Luiza. Cerca de 10 mil pessoas utilizam o serviço na região diariamente. O espetáculo acontecerá para esse público e quem mais quiser aparecer.

Formado por 22 bairros, esse extenso percurso geográfico possui 10% da população de Salvador e é conhecido historicamente pela rica cultura, prática de pesca e pelas águas calmas da Baía de Todos os Santos. Hoje, a população do grande subúrbio ferroviário é formada por grupos sociais mais populares. “Depois de passar por transformações e mudanças ao longo de um século e meio de existência, a linha do subúrbio de Salvador funciona como alternativa viável de transporte de baixo custo”, completa Ana Luiza.

DUAS SEMANAS – Todo esse complexo de trilhos, estações, ambiência e pessoas foram fonte de inspiração para a concepção do projeto. Oito dançarinos se revezarão, em turma de quatro a cada dia alternado, com performances na Estação da Calçada e nos trens. As apresentações acontecem entre 27 e 29 de julho, e 2 e 5 de agosto (2016) em horários a serem divulgados. A entrada é apenas R$ 0,50, valor da viagem da Calçada a Paripe. Além disso, um telão fixo com videodança estará na estação.

O projeto reúne cerca de 40 profissionais das áreas de dança, vídeo, música, figurino, fotografia, produção, design, computação gráfica e comunicação, dentre outras. A direção artística e coreografias foi de Lilian Graça. A direção geral e produção de Ana Luiza Campos, da ‘Olho de Peixe Produções’. A proposta foi um diálogo entre dança, corpo, arquitetura e movimento, mas sensível à realidade das estações e linhas de trem. “Este é um local que reúne grande beleza e dignidade, e que acima de tudo merece reconhecimento”, afirma Lilian. Elas optaram pela poesia, pela estética, para acentuar ou despertar a percepção do espectador. Cada um com a sua viagem, com a sua sensação e com a sua interpretação. É o caminho da Arte!

FONTE p/ENTREVISTA:

LILIAN GRAÇA – Diretora Artística e Coreógrafa – (71) 98619-2379, 3240-6281

ANA LUIZA CAMPOS – Produtora executiva e Diretora geral – (71) 99104-6204

SERVIÇO

O quê: Exibição de Videodança e Performances – Projeto ‘TRILHOS & ESTAÇÕES – uma viagem dançada da Calçada a Paripe’

Onde: Estação da Calçada e performances nos trens até Paripe

Quando: dias 27 a 29 de julho e 02 a 05 de agosto (2016).

Horários: a definir

Informações: Moniz Comunicação – Geraldo Moniz (71 99110-5099, geraldo.monizcomunicacao@gmail.com) e Bruno Ganem (71 991281325, brunoganem.monizcomunicacao@gmail.com) 

FICHA TÉCNICA

Direção artística e coreográfica: Lilian Graça

Direção geral e produção executiva: Ana Luiza Campos - ‘Olho de Peixe Produções’

Direção de Arte: Alice Barreto

Cenotécnico: Gei

Dançarinos performances: Danilo Lima, Bárbara Barbará, William Gomes, Aline Lucena, Anderson Marcos, Lais Oliveira, Sérgio Diaz e Talita Gomes

Making of (câmera e edição): Thiago Andrade

Making of (edição): Ycaro Gallo

Figurinista: João Serafim

Costureiras: Nalva dos Santos e Ceumar dos Reis

Fotógrafos Still: Mário Neto e Thiago Andrade

Desing Gráfico: Felipe Cordeiro

Assessoria de Comunicação: Geraldo Moniz de Aragão – Moniz Comunicação – assistentes Bruno Ganem e Lucas Rosário

Assessoria Contábil: Kátia Mata Virgem

Assessoria Jurídica: Teixeira de Villar Advogados

Apoios: CTB, UFBA/IHAC, Acervo da Laje, FIGAM – Alagoinhas, Centro Cultural Ensaio

Ficha Técnica VIDEODANÇA:

Direção: Lilian Graça

Direção de produção: Ana Luiza Campos

Assistência de direção: Daniela Guimarães

Direção de fotografia: André Heleno

Assistência de câmera/logger: Rafael Mac-Cullochel e Ycaro Gallo

Trilha original/mixagem e masterização: Bob Bastos

Som direto: Vinícius Barretto

Montagem e finalização: Denis Ferreira

Computação gráfica: Denis Ferreira, Rafael Graça e Walter Segundo

Dançarinos: Anderson Marcos, Lais Oliveira, Sérgio Diaz e Talita Gomes

Produção: Inailton Oliveira e Jorge Martins

Elétrica/maquinária: Djair Fernandes e Robson Pereira

Transporte: Normando Oliveira, Cristiano de Andrade, Davis Leone e Liedson Mamede (Dudai)

Segurança: Marcos Pereira

ALEGORIA DA DOR

UM FILME DE MATHEUS VIANNA

https://www.facebook.com/l.php?u=https%3A%2F%2Fvimeo.com%2F123941661&h=SAQHQmT-c&s=1

"HAIR" - "AQUARIUS"

QUASE MEIO-SÉCULO...

E CONTINUA OBRA-PRIMA!

Hair: The American Tribal Love-Rock Musical é um rock-musical escrito por James Rado e Gerome Ragni, também autores das letras das músicas criadas por Galt MacDermot. Produto da contracultura hippie e da revolução sexual dos anos 60, muitas de suas canções tornaram-se hinos dos movimentos populares anti-Guerra do Vietnã nos Estados Unidos.

A profanação de valores embutida no musical, sua descrição do uso de drogas ilegais, tratamento da sexualidade, irreverência pela bandeira nacional e uma cena de nu explícito, causaram enorme controvérsia. Ele trouxe o mundo dos musicais a novos parâmetros, criando o "rock-musical", usando a integração racial para compor o elenco e convidando a platéia a interagir com o espetáculo, subindo ao palco na cena final.

Hair conta a história da "Tribo", um grupo de hippies cabeludos politicamente ativos da 'Era de Aquário', que levam uma vida boêmia em Nova York e lutam contra o alistamento militar para o Vietnã. "Claude", seu bom amigo "Berger", sua amiga "Sheila" e outros amigos hippies, tentam equilibrar suas jovens vidas, amores e sexo livre com a rebelião pessoal contra seus pais e a sociedade conservadora norte-americana. Em última análise, "Claude" precisa decidir entre rasgar seu cartão de alistamento como seus amigos fizeram ou sucumbir à pressão de seus parentes (e da Américaconservadora) e servir no Vietnã, comprometendo seus princípios pacifistas e arriscando sua vida.

Após estrear off-Broadway em outubro de 1967 no The Public Theater – onde ficou por 45 dias – e fazer algumas apresentações numa discoteca no centro de Manhattan, a peça estreou na Broadway em 29 de abril de 1968 para uma carreira que duraria por 1750 apresentações. Produções subsequentes e simultâneas foram montadas em diversas cidades dos Estados Unidos e da Europa e a partir daí a peça foi apresentada por todo o mundo, incluindo a gravação de discos nas línguas locais, como a gravação original do elenco nova-iorquino, que vendeu cerca de três milhões de cópias nos Estados Unidos e ganhou o Grammy Awards de Melhor Álbum de Musical. Algumas das canções fizeram parte da lista de Top 10 da Billboard e um filme foi feito em 1979, dirigido por Milos Forman, baseado no musical.

QUEM ERA JOAN RIVERS?

Joan Rivers, nome artístico de Joan Alexandra Molinsky^[1] (Nova Iorque, 8 de junho de 1933  — Nova Iorque, 4 de setembro de 2014), foi uma atriz, comediante e apresentadora de televisão estadunidense. Rivers era conhecida por seus maneirismos ríspidos e por sua voz rouca com forte sotaque nova-iorquino.

Frequentou a Connecticut College entre 1950 e 1952, e graduou-se na Barnard College em 1954 com um título de Bacharel em Artes; ela foi membro da Phi Beta Kappa

Sua longa carreira de mais de cinco décadas a tornou uma das lendas da comédia americana, sendo conhecida como a "A rainha da comédia americana". Foi também uma das primeiras mulheres a fazer Stand up comedy no mundo e tem uma estrela na calçada da fama em Hollywood. No Brasil, Joan Rivers usualmente realizava a cobertura do Red Carpet do Oscar. Rivers apresentava o programa Fashion Police, exibido pelo canal de televisãoE! Entertainment Television, até sua morte.

A atriz era conhecida também por ter relatado que teria se submetido a 734 cirurgias plásticas. Seu estilo cômico quase sempre envolve sua capacidade de satirizar a si própria e outras celebridades de Hollywood.

Nascida Joan Alexandra Molinsky no bairro do Brooklyn, Nova Iorque,^[5] era filha de imigrantes judeus russos, Beatrice Grushman (1906–1975) e Meyer C. Molinsky (1900–1985).

Rivers morreu em 4 de setembro de 2014 após complicações de uma cirurgia nas cordas vocais em uma clínica noUpper East Side de Manhattan

SHIRLEY TEMPLE

Shirley Temple Black (Santa Mônica, 23 de abril de 1928 — Woodside, 10 de fevereiro de 2014^[1] [2] ) foi umaatriz, dançarina, cantora e diplomata norte-americana. Já com mais de quarenta anos de idade, concorreu a cargos políticos, sem sucesso. Em 1974, foi nomeada pelo presidente Gerald Ford embaixadora dos Estados Unidos na extinta Checoslováquia, posto que ocupou até 1976. De 1989 a 1992 foi embaixadora no Gananomeada por George H. W. Bush.^[3]

Uma das estrelas mais importantes de Hollywood, Shirley estrelou filmes como A Pequena Princesa e A Pequena Órfã. Ao longo da carreira fez 43 longas metragens. Ela morreu de causas naturais.

Bill Bojangles Robinson nasceu em 25 de Maio de 1878, em Richmond, Virgínia.

Em 1898 foi para Nova Iorque tentar a vida de bailarino, mas só aos 31 anos seu trabalho foi reconhecido e então contratado pela produção do show Blackbirds, onde apresentava um número em que subia e descia uma escada sapateando. Mais tarde esse seria o marco de sua carreira.

Ele foi o primeiro negro a conseguir um papel principal na Broadway. Em 1935 foi para Hollywood e inaugurou a entrada de um casal na história do cinema, Bill “Bojangles” e Shirley Temple, de apenas 6 anos de idade.
As leis da época não permitiam que um negro dançasse com um branco (a não ser que fosse criança) e por isso “Bojangles” não pode estar nas telas com mais niguém.

Parecia que o racismo no cinema estava chegando ao fim, mas a realidade era outra, quando Eleonor Powell foi cogitada a dançar ao seu lado, esse projeto foi barrado pelas leis da época que não permitiam que um negro contracenasse com uma mulher branca.

Morreu em 1949, foi enterrado com muitas glórias.

Dia 25 de maio, data do seu aniversário, é comemorado o Dia Internacional do Sapateado, data oficializada pelo congresso dos Estados Unidos, para que assim “Bojangles” fosse uma referência para os sapateadores.

DEUS E O DIABO...

CARTAZ DE ROGÉRIO DUARTE

CONVITE

O filme ,"Rogério Duarte - O Tropikaoslista" de José Walter Lima, será exibido no Espaço Itaú de Cinema Gláuber Rocha (Salvador), dia 19/04 (terça-feira), às 21 horas, em solene homenagem póstuma ao artista que faleceu no dia 14 deste mês.

PROIBIDO NO QUENIA

LONGE DO PARAÍSO

"Longe do Paraíso" e os maiores fotógrafos do cinema

Alguns espectadores andam impressionados com a fotografia de "Longe do Paraíso", em cartaz em São Paulo. Talvez ela seja mesmo a melhor coisa do filme de Todd Haynes, que teria chances de ser um belo melodrama se não fosse tão previsivelmente correto, do ponto de vista moral. 

Haynes se inspira abertamente no cinema de um gênio de Hollywood, o diretor de origem austríaca Douglas Sirk. Para quem teve a oportunidade de ver os filmes de Sirk no cinema, em poderoso technicolor, é porém uma grande decepção assistir ao subproduto de Haynes.

Falta a este não apenas a dimensão trágica que Sirk sabia imprimir às suas histórias (o melodrama é uma variante da tragédia para a cultura de massas; e Sirk foi em Viena também um encenador de tragédias), mas também a capacidade de fazê-lo sob uma base contemporânea.

O melodrama, da mesma forma que a tragédia, precisa de um mundo de proibições e regras muito restritas para fazer espocar na narrativa a "hybris" --a desmedida que de repente atinge o(s) personagem(ns), levando-o(s) a romper com uma regra social compartilhada.

Quando Sirk filmava "Imitação da Vida", sobre o racismo americano, ou quando insinuava o homossexualismo em "Palavras ao Vento", ele tinha diante de si uma sociedade altamente discriminatória nestas questões. Seus filmes (e seus personagens), todos eles dotados de uma crueldade sem par sob a capa da generosidade, afrontam estas fronteiras.

Haynes vive numa sociedade moralmente aberta e politicamente correta --e foi incapaz de ver o que seria neste momento, neste mundo, o novo regime de interdições e hipocrisias. Por isso ele faz um filme de época. Ele precisa das proibições do passado para desenvolver temas que, na atualidade, provocariam outras consequências. No fundo, o filme é apenas um exercício formalista, um pastiche.

No encalço de um melodrama contemporâneo, Almodóvar faz muito melhor que Haynes --desafiando por exemplo a questão dos papéis sexuais e da lógica dos afetos na família, que ainda são definidos de maneira restritiva e convencional. E mesmo Fassbinder pôde ir mais longe no melodrama, ao abordar novas questões, como a relação entre europeus e imigrantes ou as consequências da reconstrução da Alemanha no pós-guerra e da obliteração do passado nazista. 

Mas falávamos da fotografia de "Longe do Paraíso". Por mais imitativas que elas sejam, as imagens do filme impressionam. É um mérito do diretor, mas sobretudo de seu fotógrafo, Edward Lachman, que soube reconstituir o technicolor antigo, com composição rigorosa de cores e volumes --e o fez até exageradamente, reforçando, à guisa de crítica, o kitsch característico do gênero.

É com filmes assim que o espectador percebe quão importante é a fotografia no cinema. Mas é também nesses momentos que ele pode criar uma impressão superficial do trabalho cinefotográfico.

Este não consiste apenas em apresentar imagens com cores bonitas e paisagens sublimes, mas muito mais em escolher os melhores ângulos, iluminá-los bem, saber organizar e desenvolver os planos segundo o ponto de vista pretendido pelo diretor, dar continuidade e unidade às imagens fragmentárias próprias do cinema e permitir que a imagem, pela sua plasticidade e invenção, sintetize e reelabore o conjunto dos elementos de um filme.

O cinema é basicamente a impressão da luz sobre a película. Daí a importância do fotógrafo nesta arte. Técnico e criador imprescindível ao cinema, o fotógrafo é no entanto frequentemente esquecido nos comentários da crítica e na observação do espectador. 

A fim de fazer recordar e/ou informar o espectador-leitor a respeito da fotografia no cinema narrativo (não-experimental), esta Pensata faz uma lista de alguns dos principais fotógrafos, sem ordem cronológica nem de importância, começando, é claro, por Edward Lachman, que assina as imagens irônicas de "Longe do Paraíso".

Edward Lachman

Aos 54 anos, é um dos maiores diretores de fotografia do cinema atual. Foi assistente de quatro dos grandes fotógrafos modernos: Vittorio Storaro (em "La Luna", de Bertolucci), Sven Nykivst (o fotógrafo de Bergman, em "Hurricane", de Jan Troell), de Robby Mueller (em "O Amigo Americano", de Wim Wenders) e de Raoul Coutard (em "Passion", de Jean-Luc Godard).

Prefere trabalhar com diretores estreantes e ousados do cinema americano e internacional. Fez a fotografia de "Stroszek" (77), de Werner Herzog, "Tokio Ga" (83), de Wenders, "True Stories" (86), de David Byrne, "Eric Brockovich" (99), de Steven Soderbergh, e "Virgens Suicidas" (98), de Sofia Coppola, entre outros. Foi co-diretor de "Ken Park", ao lado de Larry Clark, este também um fotógrafo. 

Russel Metty

O trabalho de Metty, chamado em sua época de "o príncipe da cor", é a grande inspiração de Lachman em "Longe do Paraíso".

Metty foi o diretor de fotografia de algumas das maiores obras de Douglas Sirk, como "Tudo que o Céu Permite" (55), "Palavras ao Vento" (56), "Tempo de Amar, Tempo de Morrer" (57) e "Imitação da Vida" (58). 

Quem viu algum desses filmes no cinema, sentado na sala escura, sabe do que é capaz o talento desse fotógrafo. No preto-e-branco, Metty também foi um notável criador. É ele que assina as imagens de "O Estranho" (46) e de "A Marca da Maldade" (57), ambos de Orson Welles.

Entre os mestres da cor em Hollywood, também não se pode esquecer de Robert Burks, que assinou os principais filmes de Hitchcock nos anos 50/60, como "Janela Indiscreta" (54), "Vertigo" (58) e "Os Pássaros" (63).

Gregg Tolland

O longuíssimo plano-sequência inicial de "A Marca da Maldade", concebido com a ajuda do olhar de Metty, é um dos "tour de forces" do cinema de Orson Welles. Mas a estética wellesiana foi mesmo firmada em "O Cidadão Kane", graças às artes do fotógrafo Gregg Tolland, que releu o cinema expressionista na ótica moderna e também criou a profundidade de campo (foco total da imagem, na frente e no fundo) tão cara ao diretor.

Tolland é um dos gênios da fotografia no cinema e, embora tenha importantes trabalhos com John Ford ("As Vinhas da Ira", 40) e William Wyler (vários), sua obra estará sempre associada à parceria criadora com Welles.

Fritz Arno Wagner e Karl Freund

São os dois maiores fotógrafos do expressionismo alemão. Wagner fotografou "Nosferatu" (22), de Friedrich Murnau, e "M, o Vampiro de Dusseldorf" (31), de Fritz Lang, entre outros clássicos.

Freund é o responsável pelas imagens de "Metrópolis" (26), de Lang. O que o cinema deve a eles é incalculável. Se seguíssemos as categorias do poeta Ezra Pound, ambos poderiam ser classificados como "inventores" de uma linguagem.

Boris Kauffman e Edward Tissé

O cinema é também imensamente devedor destes dois fotógrafos russos. Kauffman era irmão do diretor Dziga Vertov e imigrou na época revolucionária soviética para a França. Foi o fotógrafo de Jean Vigo, realizando as imagens ultramodernistas de "A Propósito de Nice" (30), "Zero de Conduta" (33) e "Atalante" (35). Mais tarde mudou-se para Hollywood, onde trabalhou com Elia Kazan, fotografando "Sindicato de Ladrões" (54), "Baby Doll" (56) e "Clamor do Sexo" (61) --este uma obra-prima do cinema em cores.

Tissé é o diretor de fotografia de praticamente todos os filmes de Eisenstein, desde as experiências futuristas de "O Encouraçado Potemkim" (25) e "Outubro" (27) até o neo-expressionismo de "Ivan, o Terrível" (45). É ele também que ajuda a fixar uma certa fotogenia do mundo mexicano em "Que Viva México" (31), que irá repercutir posteriormente no trabalho de Welles ("É Tudo Verdade"), no de Gabriel Figueroa e mesmo de Glauber Rocha.

Gabriel Figueroa

Este mexicano é o maior fotógrafo do cinema latino-americano. O único que talvez possa ombreá-lo (um pouco) é o brasileiro Edgar Brasil (de "Limite"). 

Figueroa trabalhou com Tolland em Hollywood e fez a fotografia de "O Fugitivo" (47), de John Ford. No México, consolidou seu modo original de enquadrar e iluminar as paisagens e os rostos latino-americanos --sobretudo nos filmes de Luis Buñuel, como "Os Esquecidos" (50), "Nazarin" (59) e "O Anjo Exterminador" (62). 

Claude Renoir

Se Metty é o príncipe da cor em Hollywood, na França este título deve ser dado a Claude Renoir, neto do pintor Pierre Renoir e sobrinho do diretor Jean Renoir. 

São de sua lavra as imagens exuberantes de "Carrosse d'Or" (52) e "Elena e os Homens" (55). Claude é também um ótimo fotógrafo do PB, em clássicos como "Toni" (34), "Partie de Campagne" (36) e "A Regra do Jogo" (39) --todos filmes de Jean Renoir.

Henri Alekan e Sacha Vierny

Alekan assinou a direção de fotografia de vários clássicos franceses dos anos 40 e 50. Foi "ressuscitado" nos anos 80, quando participou das experiências contemporâneas de Raoul Ruiz ("O Território", 81), de Alain Robbe-Grillet ("A Bela Cativa", 82) e de Wim Wenders ("O Estado das Coisas", 82, e "Asas do Desejo", 87). 

O trabalho de Vierny é indissociável do de Alain Resnais, para quem criou as imagens poderosas de "Hiroshima Meu Amor" (59), "O Ano Passado em Marienbad" (61) e "Muriel" (63). Também trabalhou com Buñuel, em "A Bela da Tarde" (67), e Ruiz, em "A Hipótese do Quadro Roubado" (78), entre outros filmes.

Raoul Coutard

É o principal fotógrafo do cinema moderno. Todos os primeiros filmes de Jean-Luc Godard --que revoluciona a linguagem cinematográfica nos anos 60-- tiveram sua fotografia assinada por Coutard, desde "Acossado" (59) a "Duas ou Três Coisas que Sei Dela" (67), passando pelos essenciais "Pierrot le Fou" (65) e "A Chinesa" (67).

Suas imagens são uma fonte de invenção permanente. Sabe-se que ele não apenas trazia à luz as mais improváveis criações imaginadas por Godard como foi responsável, na condição de fotógrafo, por várias das novidades que os filmes godardianos exibem. 

É um gênio da câmera na mão, dos travellings rápidos, da captação instantânea e documental, do preto-e-branco moderno e da coloração pop. Tendo rompido com Godard, mais tarde aceitou assinar a extraordinária fotografia de "Passion", em que o diretor francês recria pinturas célebres.

Gunnar Fischer e Sven Nykvist

São os dois fotógrafos de Ingmar Bergman, responsáveis por materializar o cinema difícil e abstratizante do diretor sueco. Fischer seguiu Bergman na sua primeira fase, como em "Monica e o Desejo" (52), "Sétimo Selo" (56), "Sorrisos de uma Noite de Amor" (55) e "Morangos Silvestres" (58).

Nykvist é o mestre-fotógrafo de quase todo o Bergman maduro, como em "Persona" e "A Hora do Lobo" (67), "Gritos e Sussurros" (73), "A Flauta Mágica" (74) e "Fanny e Alexandre" (82). Em 86 foi à Rússia filmar o mais bergmaniano dos filmes de Andrej Tarkovski, "O Sacrifício" (86). 

Gianni di Venanzo, Giuseppe Rotuno, Vittorio Storaro, Carlo di Palma e Tonino Delli Colli

Este quinteto é apenas uma pequena parte da notável turma de fotógrafos italianos que ajudaram a criar algumas das mais belas imagens do cinema. 

Venanzo assina pelo menos dois marcos do filme moderno: "O Eclipse" (62), de Antonioni, e "Oito e Meio" (63), de Fellini. Também fotografou "As Amigas", "O Grito" (57) e "A Noite" (61), todos de Antonioni. A este diretor está ligada ainda a carreira de Carlo di Palma, fotógrafo de "O Deserto Vermelho" (64) e "Blow Up" (67).

Rotuno é o fotógrafo dos maravilhosos "Rocco e Seus Irmãos" (60), "O Leopardo" (63), de Visconti, "Roma" (72) e "Amarcord" (73), de Fellini.

Storaro é o olhar neoclassicista que acompanha Bernardo Bertolucci por vários filmes. Realizou as fotografias estupendas de "A Estratégia da Aranha" (69), "O Último Tango" (72), "Novecento" (76) e "O Último Imperador" (87). Também foi o fotógrafo de "Apocalipse Now" (79), de Francis Ford Coppola. 

Delli Coli viabilizou os planos ousados de "Era uma Vez no Oeste" (68), de Sergio Leone, bem como os de "Gaviões e Passarinhos" (66), "Pocilga" (69) e "Salò" (75), de Pier Paolo Pasolini.

No cinema italiano, cumpre ainda lembrar ao menos três fotógrafos neo-realistas: Carlo Montuori ("Ladrões de Bicicleta", 48, de De Sica), Otello Martelli ("Paisà", 46, de Rossellini, "Arroz Amargo", 49, de Risi, "A Estrada da Vida", 54, "A Doce Vida", 60, de Fellini, entre outros) e Aldo Tonti ("Obsessão", 42, de Visconti, "Roma Cidade Aberta", 45, de Rossellini, e "As Noites de Cabíria", 57, de Fellini).

Tonti, aliás, viveu no Brasil, onde ajudou a criar os estúdios Maristela, em São Paulo, nos anos 50, tendo realizado a fotografia de "O Comprador de Fazendas" (51), de Alberto Pieralisi.

Lacunas

Certamente a lista acima está cheia de lacunas. Esquecemos de Billy Bitzer, o fotógrafo de Griffith na fundação do cinema, de Lee Garmes, que selou as formas do preto-e-branco nos filmes de Hawks ("Scarface", 32), Sternberg e King Vidor. Esquecemos dos formidáveis fotógrafos japoneses, como Kasuo Miyagawa ("Contos da Lua Vaga", 53, e "O Intendente Sansho", 54, de Mizoguchi). Deixamos de lado a maior parte dos contemporâneos. Ainda há muito a fazer pela honra e a memória dos fotógrafos no cinema.

E a fotografia brasileira?

Para quem assistiu alguns dos bons filmes brasileiros, de várias épocas, não há coisa mais irritante do que ouvir o comentário de que a "fotografia brasileira melhorou muito nos últimos anos".

É um raciocínio falso e preconceituoso. Talvez possamos dizer que o som no cinema brasileiro tenha passado por relevantes avanços técnicos, mas não que a fotografia "melhorou".

A fotografia brasileira no cinema sempre foi realizada com grande apuro nos principais filmes, desde a era muda, e tem já uma longa história para contar. História que é também a da procura de uma luz própria, que não repita as tonalidades nem os modelos dominantes no cinema hollywoodiano e europeu, embora busque neles inspiração.

Muito esquematicamente, pode-se dizer que a "luz brasileira" começa a ser definida pelo fotógrafo Edgar Brasil na época do cinema mudo (em filmes como "Sangue Mineiro", 29, de Humberto Mauro, e "Limite", 31, de Mário Peixoto), passa pelo olhar do inglês-brasileiro Chick Fowle. (em "O Cangaceiro", 52, de Lima Barreto, e "O Pagador de Promessas", 62, de Anselmo Duarte) e atinge sua expressão moderna nas imagens do Cinema Novo e do Cinema Marginal, nos anos 60 e 70.

É o tempo das experiências originais realizadas pelos fotógrafos Ricardo Aronovich (com "Os Fuzis", 63, de Ruy Guerra), Luiz Carlos Barreto (com "Vidas Secas", 63, de Nelson Pereira dos Santos), Mário Carneiro (com "O Padre e a Moça", 65, de Joaquim Pedro de Andrade) e Affonso Beato (com "O Dragão da Maldade contra o Santo Guerreiro", 68, de Glauber Rocha).

Aronovich, depois de sua passagem pelo Brasil, mudou-se para a Europa, onde trabalhou com Alain Resnais na fotografia de "Providence" (77) e com Ettore Scola, em "Casanova e a Revolução" (80), dentre outros diretores.

Beato, excelente colorista, também seguiu carreira internacional, tendo realizado as imagens de alguns filmes de Almodóvar, como "A Flor do Meu Segredo" (95), "A Carne Trêmula" (97) e "Tudo Sobre Minha Mãe" (98).

Não se pode esquecer ainda de Dib Lufti ("Os Herdeiros", 69, de Cacá Diegues, e "A Lira do Delírio", 77, de Walter Lima Jr.), de Fernando Duarte ("Ganga Zumba", 63, de Cacá Diegues), de Thiago Veloso ("O Anjo Nasceu", 69, de Julio Bressane, e "Bang Bang", 70, de Andrea Tonnacci), de Lauro Escorel ("São Bernardo", 71, de Leon Hirzmann, e "Bye Bye Brasil", 79, de Cacá Diegues) e de Murilo Salles ("Cabaré Mineiro", 79, de Carlos Alberto Prates Correia, e "Eu te Amo", 80, de Arnaldo Jabor).

A lista não pára aqui. É longa e interessante a história da fotografia no cinema brasileiro. Mas é melhor contá-la mais tarde, em outra Pensata, quando o inverno parar de congelar os dedos deste colunista e o verão trouxer de volta a São Paulo a luz dos trópicos.

Alcino Leite Neto, 46, é editor de Domingo da Folha e editor da revista eletrônica Trópico. Foi correspondente em Paris e editor do caderno Mais! Escreve para a Folha Online quinzenalmente, às segundas.